Née en 1988 en Chine, dans une famille d’artistes. Jinan, sa ville natale est connue pour la littérature des écrivains antiques et modernes. La culture de Confucius est originaire de sa province de Shandong. Ces environnements culturels et historiques ont étayé son éducation. Sous l’influence de son père, un peintre de la peinture chinoise, son apprentissage de la peinture chinoise fut commencé dès l’enfance puis l’adolescence. Entre 2006 et 2010, elle fit ses études universitaires à l’Académie des Beaux-arts de Tianjin, dans le département de peinture à l’huile. En 2011, elle arriva à Paris, puis étudia pendant trois ans à l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris. Étant élève de Jean Michel Alberola, elle obtint son diplôme de DNSAP en 2014. Sa passion et sa recherche concernant la nature, permettent à WEI Xing de traverser les deux cultures et les deux civilisations, en interprétant une nouvelle mode de représentation du paysage. Son pouvoir de dire est au-delà de son vouloir de dire. Vit et travaille à Paris. Elle a travaillé pour la Fondation Cartier, et collaboré avec Idem Paris afin de réaliser et éditer ensemble, au nom de sa galerie, une série de lithographies. Ses oeuvres sont commencées à émerger, ces dernières années, en exposition dans certains musées, centres d’art contemporain régionaux, et biennales internationales en Chine ou en France. Parmi les collectionneurs de ses oeuvres, nous trouvons les noms de : la directrice de l’Association des Amis des Musées de Marseille; l’ancienne responsable de la programmation culturelle de CAPC Musée d’Art Contemporain de Bordeaux ; le directeur de Idem Paris, etc.

Note d’intention artistique :
Mon travail est essentiellement centré sur la nature et l’ animal, le cheval y est beaucoup représenté sur la manière de coexister entre eux , mais aussi sur le carrefour de l’esprit et de l’harmonie établi entre la vision orientale et occidentale derrière le sujet du « paysage ».
Sous l’influence de mon père, qui pratique la peinture chinoise en Chine. J’ai étudié la peinture traditionnelle chinoise depuis l’âge de 8 ans, et ne nie pas son influence esthétique et théorique en ce qui concerne mes peintures et dessins actuels. Vivre à Paris depuis 2011, et après 3 ans d’études picturales à l’école des Beaux-Arts de Paris dans l’atelier Jean Michel Alberola, me permet non seulement de poursuivre mon chemin personnel, mais aussi d’approfondir les connaissances en matière de culture et de civilisation occidentale . L’artiste japonais Tsugharu Foujita a réussi à lier deux cultures dans l’art figuratif, ce fut le cas également en art abstrait pour l’artiste chinois Zao Wou ki . Je me suis de plus inspirée de leur réflexion théorique basée sur l’esprit et les notions traditionnelles de leur culture originelle. Les dessins de Matisse me font observer sa façon de « citer » le trait simplifié et exact venant de l’art oriental. Le cheval est l’un des animaux subtil et intelligent, et, qui témoigne historiquement, depuis l’époque antique, de l’aventure et de l’évolution de l’humain, afin de maitriser , la nature et pour combattre. Il est beaucoup représenté dans les anciennes peintures des rois en Orient et en Occident. Choisir le sujet du cheval me permet de lier les deux civilisations. En matière de figuration, je tente de réaliser un nouveau mode de représentation du paysage, et d’harmoniser les deux perspectives, tout en créant un monde pur, paisible et sublime. La montagne lointaine, la rivière proche, la cascadetombant , le nuage flottant, la forêt entourant, la lumière traversant, parmi toutes ces ambiances, s’y cachent des chevaux , se promenant, ou buvant de l’eau.

Née en aimant les chevaux dans une famille peu intéressée par le monde du cheval c’est naturellement que Liska les a dessinés. Une manière à elle de les approcher, de les imaginer et de céder à son instinct grégaire. Obsession de vie, des milliers de dessins suivront sa vie ou le sang bohémien font parler les chevaux. Elle travaille sur les corps, le mouvement et les énergies qui se libèrent dans le geste ou l’action. Hommes, femmes comme chevaux… Artiste autodidacte, suite à des études en histoire de l’art, elle complète ses expériences en testant sans cesse n’importe quelle limite, physique, humaine, médiums et défis. Travaille en atelier, comme en graff ou sur piste de cirque en spectacle. Toute occasion est bonne pour laisser une trace, parfois éphémère. Adepte du land art, du minuscule au monumental, elle apprécie impliquer une action physique au graphisme.
Instigatrice et organisatrice du festival Le blé pousse, festival land art autour des Agroglyphes, les arts se mêlent aux mystère. Expositions de peinture, sur Saumur pour ARTCHEVAL – Nogent le Rotrou – Selommes – GMAC Paris etc. Installations artistiques pour Artecisse, Chouzy -Les promenades artistiques De Blois – Saint Pierre le Puellier, Orléans..etc. Performances et happening dans de nombreux événements et spectacles, notamment des spectacles équestres où elle lie la peinture, le geste graphique aux arts équestres en direct.

Note d’intention artistique :
L’origine d’un processus, d’un parcours, d’une production artistique, graphique, orale. La génèse, celle qui permet de construire une [re]flexion de l’âme, une acceptation des contraintes subies, au fil des instants, perçues et qui influencent la création.
Les racines e[a]ncrent les discours de chacun. Tel un arbre, elles s’adaptent aux fluences de la vie et des matières rencontrées pour qu’une impression soit offerte aux regards. Nous sommes racines, elles sont la base de notre vie. Nul autre que le cheval ne peut mieux correspondre à ses racines : par leurs membres tout d’abord qui tels des troncs trouvent dans le contacts avec le sol cet ancrage nécessaire à la construction de son esprit et de son allant, indispensables à sa survie. Les membres racines, les membres troncs rejoignent immédiatement le front…. Il suffit de poser sa main sur le chanfrein pour ressentir la chaleur de la pensée, du shakra directement relié à l’élément terre.

Kata Keresztely est plasticienne, historienne et traductrice d’origine hongroise. Née en 1979 à Budapest, elle y a poursuivi, parallèlement à ses études universitaires en linguistique et en étude arabe, une formation en arts plastiques et décoratifs (céramique, tapisserie, peinture).
Après plusieurs années de séjours dans différents pays arabes (notamment en Syrie et en Tunisie), elle s’est installée à Paris pour conduire une thèse en histoire (elle est docteur de l’Ecole des Hautes Etudes en sciences Sociale), sur l’art figuratif arabe médiéval.
Elle a publié sur cette question de nombreux articles notamment : « La peinture arabe médiévale : un genre humoristique » (L’orientalisme après la Querelle, Karthala, 2016) ; « Les représentations humaines dans la peinture arabe médiévale : L’exemple de Harîrî-Schefer » De la figuration humaine au portrait dans la culture et l’art islamique, Leiden, Brill, 2015) ; « L’art de la belle écriture », Nouvel Observateur Hors-série n° 79, janvier-février, 2012). En tant qu’artiste et chercheuse, sa démarche se caractérise par une approche pluridisciplinaire : elle exploite la multiplicité des rôles et des concepts d’image à différentes époques et dans différentes cultures, en les confrontant les uns avec les autres. Elle remet ainsi en question les frontières entre les différentes catégories (culturelles, sociales et conceptuelles), cela, en expérimentant différents genres et techniques : peinture, bande dessinée, mosaïque, film d’animation, broderie, calligraphie, fabrication de bijoux.
Ses œuvres ont été présentées dans le cadre de plusieurs expositions individuelles et collectives en France, en Pologne, en République Tchèque et en Hongrie ou encore publiées (notamment ses nouvelles graphiques dans Qantara, le magazine culturel de l’Institut du monde arabe, ou encore ses image-poèmes chez Anagram, en Pologne).

Note d’intention artistique :
Cheval arabe numérico-matériel
Le Cheval arabe numérico-matériel est un panneau en forme de frise en bois, recouvert de mosaïques en résine. Dans ce travail, j’ai associé plusieurs concepts en faisant référence à la fois aux techniques modernes et aux techniques artisanales traditionnelles dans la création des images.Parmi les douze images du cheval, celles de gauche donne l’impression qu’il s’agit d’une série d’images séquentielles représentant le mouvement de l’animal au galop. Cependant, son image se transforme, étape par étape en son nom en arabe : ḥiṣān, qui se lit dans l’image à l’extrémité droite du panneau. L’idée de l’image séquentielle fait référence aux traitement des images moderne dans la bande dessinée et dans l’animation, en même temps que la transformation se déploie également dans un autre registre : l’image figurative du cheval se transforme d’abord en une image abstraite, ensuite en écriture. Ce sens de lecture, de gauche vers la droite, identique au sens de lecture des langues européennes, correspond à une vision fondée sur l’histoire de l’art occidentale concevant l’art abstrait comme l’abstraction du figuratif. Mais cette séquence d’images peut se lire également de droite vers la gauche, comme on lit en arabe. Si on « lit » la séquence dans ce sens, c’est l’abstrait qui se transforme, étape par étape, en figuration. Cette idée correspond à un concept d’image islamique et soufi où la forme des lettres rappelle des figures humaines ou animales.
Ce panneau proposant une double lecture : européenne et islamique de la figuration et de l’abstraction, réunit aussi en lui-mȇme un concept traditionnel et un concept contemporain de l’image. J’ai mis en scène des images séquentielles tout en utilisant des techniques numériques comme le morphing et des logiciels de calcul et de mise en forme, mais aussi des matières « modernes » comme la résine. Cependant, je les ai conçues dans un cadre traditionnel faisant référence à des formes d’art anciennes, telles que la mosaïque et la frise fréquemment utilisées dans l’art médiéval et islamique.
Cette mosaïque se compose de 595 petits carrés, mesurant 2 x 2 cm, collés sur un panneau de 2 mètres de long et 14,5 cm de large. Chaque ligne se compose de 99 carrés ce qui fait référence au 99 noms de Dieu, un concept numérologique islamique et soufi.

Né dans le Berry, Christian Hirlay est diplômé de l’Institut d’Arts Visuels d’Orléans. D’abord dessinateur, illustrateur avec un trait à l’encre de chine permettant les caprices de la plume, les pleins et les déliés. Christian Hirlay a trouvé dans le fil de fer l’allié pour dessiner en trois dimensions. Ce matériau modeste lui permit d’exprimer le geste, le mouvement en privilégiant la vivacité de l’esquisse. Il a pu réaliser ainsi de nombreuses sculptures jusqu’au monumental « chevaux » pour le Compa à Chartres, « Don Quichotte », Selle français grandeur
nature pour le Haras National de Saint Lô. Afin d’opérer une rupture avec la fragilité du trait et de la transparence, Christian Hirlay s’est ensuite confronté à l’acier. Ce fut un travail où la surface, les fragments prirent toute leur importance. La rencontre de ce matériau lui permit d’accéder à une liberté inespérée. Aucun repentir n’est impossible et contrairement à un grand nombre de matériaux, l’acier permet beaucoup de fantaisies.
Fasciné par le vivant et particulièrement par le cheval, ses explorations ont pour but d’oublier le modèle pour se concentrer sur le graphisme. Tendre vers la force du vivant. Il put ainsi entreprendre de nombreuses sculptures monumentales : cerf, guépard, foals, minotaure, centaure et très récemment un trotteur attelé pour l’Hippodrome de Châtillon sur Chalaronne dans l’Ain.

Note d’intention artistique :
L’évolution de mon travail m’a conduit à travailler l’acier. Le choix de ce matériau est dû à la liberté qu’il confère : l’on peut travailler dans toutes les échelles , retoucher à l’infini… presque tout est envisageable.
L’acier peut avoir la délicatesse d’un découpage en papier mais il s’inscrit dans le temps. Paradoxalement, Il y a aussi un rapport sensuel avec cette matière qui se chauffe, se tord, se martèle, se polit. Cependant mon travail ne vise nullement à mettre en avant les qualités du métal ni un savoir faire d’artisan. Les caractéristiques intéressantes de ce matériau sont à mettre au service du graphisme, du dessin. Mon travail de sculpture est nourri de croquis réalisés en série avec l’énergie de l’écriture automatique. C’est à ce prix qu’ une puissante simplicité et un équilibre peuvent émerger. Tout l’enjeu est de les traduire en trois dimensions.
Le cuirassier Destouches
« Nous quatre cavaliers sur la route, nous faisions autant de bruit qu’un demi-régiment. On devait nous entendre venir à quatre heures de là ou bien c’est qu’on voulait pas nous entendre. Cela demeurait possible… peut-être qu’ils avaient peur de nous les allemands ? Qui sait ? Un mois de sommeil sur chaque paupière voilà ce que nous portions et autant derrière la tête, en plus de ces kilos de ferraille. » Louis-Ferdinand Céline, «Voyage au bout de la nuit» (extrait)
Don Quichotte
« Alors il fut voir son cheval, et quoique la pauvre bête ne fut qu’un squelette vivant, il lui parut plus vigoureux que le bucéphale d’Alexandre ou le Babiéca du Cid »
Miguel de Cervantes «Don Quichotte de la Manche» (extrait)
Chacun à leur façon, chacun dans leur époque, dans leur folie propre ces deux cavaliers mythiques que sont Don Quichotte et Bardamu – Céline nous parlent de l’humanité avec une profondeur que j’ai eu envie de traduire graphiquement.
Samara
Combien de temps nécessite le dressage d’un cheval ? De la caresse au geste technique, de la main douce à la main qui sanctionne. Combien de mains lui laisseront leurs empreintes ? empreintes durables ? Cette sculpture évoque le pétrissage d’une matière sensible, le modelage d’une oeuvre. Dans quelle proportion le cheval d’aujourd’hui est-il l’oeuvre de l’homme ?

Deux vies en parallèle pour cet artiste qui a baigné dans l’univers artistique dès son enfance, la peinture et la sculpture, avec sa première exposition à 18 ans puis sa profession de graphiste où la création fut toujours présente. Aujourd’hui à la retraite, Alain Guillotin se consacre entièrement à son art. Il est un artiste aux multiples casquettes, à la fois peintre, sculpteur et photographe. Il présente un travail épuré, allant vers l’essentiel, des visions inhabituelles, des angles de vues différents, il se laisse aller, à bon escient, dans le contraste des matières.
Maintenant bien connu des amateurs d’art équestre, sa signature « équine » devient de plus en plus évidente et la suggestion du cheval est toujours au rendez-vous.
Cette évocation graphique, presque minimaliste, donne à ses oeuvres une forte personnalité et feront craquer tous les amateurs d’équitation. Ses sculptures et ses oeuvres picturales, principalement réalisées sur des tapis de selle, donnent ainsi une seconde vie aux accessoires récupérés au grès de ses rencontres. Depuis quelques années, le thème de l’équitation lui donne l’occasion d’exposer lors de grands événements artistiques liés au monde du cheval (Saumur, Chantilly, Deauville …).

Note d’intention artistique :
Représenter le cheval sans le montrer !
Je travaille très souvent en suggérant le sujet. Le thème de l’équitation m’offre ainsi un large éventail de créations possibles.
Au gré de mes rencontres et de mes promenades dans le monde équin, une forme, une couleur ou une situation me donnent des idées. La trace, cette technique qui frôle le sujet m’inspire beaucoup. Le jockey et le cheval peuvent être devinés.
L’aventure artistique bien maitrisée m’amène à devenir de plus en plus minimaliste dans mes créations. Par ma formation de graphiste, je m’applique à montrer l’essentiel et à en détourner l’œuvre pour en perdre le propos en toute liberté. Mes assemblages équins sont aussi un moyen de rester dans ce thème au bord de l’abstraction. Des brides, des tapis de selle et des mors obtiennent une deuxième vie et deviennent des œuvres à part entière.En participant depuis plusieurs années à des expositions lors d’événements équins prestigieux, ma créativité ne cesse d’évoluer dans le contemporain.

Clarisse Griffon du Bellay est formée à la taille directe de bois aux Ateliers Beaux-Arts de la Ville de Paris entre 2006 et 2009. En 2010, elle reçoit le prix européen de sculpture Georges Coulon de l’Institut de France.
En 2013 elle est membre artiste à la Casa de Velàzquez à Madrid, puis elle entre pour trois ans en résidence d’artistes à la fondation Dufraine (qui dépend de l’Académie des Beaux-Arts). Elle a exposé régulièrement à Paris à la Galerie Marie Vitoux depuis 2013. Ses sculptures sur le thème du Radeau de la Méduse ont été présentées au musée de la Marine de Rochefort en 2016 à l’occasion de la célébration du bicentenaire du naufrage, puis à la Maison des Arts d’Antony en 2018 pour le bicentenaire du tableau de Géricault. Les premiers chevaux du projet des «Chevaux du lac Ladoga» ont été exposés récemment au musée d’Art de Valence ainsi qu’à la Galerie Point Rouge de Saint-Rémy-de-Provence.

Note d’intention artistique :
Les Chevaux du Lac Ladoga
Mon travail en taille directe de bois est centré sur la chair, la matière vivante, à laquelle se mêle de plus en plus une écriture du paysage. Mes «Chevaux du lac Ladoga» s’inscrivent dans une recherche longue et très personnelle sur la survie : trouver le point de rupture où l’imminence de la mort rend le désir de vie hurlant et où les corps s’expriment avec le plus de violence. En 1942, durant le siège de Léningrad, un incendie dû à des bombardements aériens se déclara dans la forêt de Raikkola. Pour en échapper, les chevaux de l’artillerie soviétique se jetèrent dans le lac qui gela soudainement. Dans son roman Kaputt, Curzio Malaparte décrit ainsi le spectacle s’offrant aux hommes le lendemain : « Le lac ressemblait à une vaste surface de marbre blanc sur laquelle auraient été déposées les têtes de centaines de chevaux. Les têtes semblaient coupées net au couperet. Seules, elles émergeaient de la croûte de glace. Toutes les têtes étaient tournées vers le rivage. Dans les yeux dilatés on voyait encore briller la terreur comme une flamme blanche. Près du rivage, un enchevêtrement de chevaux férocement cabrés émergeait de la prison de glace… » Hubert Reeves a utilisé l’histoire des chevaux du lac Ladoga pour expliquer le phénomène de surfusion : « Si le refroidissement est rapide, comme en cette nuit de décembre, la glace tarde à se former. L’eau demeure liquide bien en dessous du point théorique de congélation. Cet état est instable. Mais quelques grains de sable, jetés
brusquement, déclenchent un gel immédiat. Les poils fins des chevaux russes se ruant dans le lac ont suffi à précipiter l’étau de glace qui leur a servi de tombeau. Autour des grains de sable ou des crinières fines, la glace prend et se propage rapidement jusqu’à immobiliser toute la nappe liquide. »

Elke Embo, est née à Gand (Belgique) le 16 février 1972. Depuis ses années d’école, Elke EMBO a été une personne multilingue et multiculturelle, attirée par la campagne et tous les animaux qui y vivent, surtout les chevaux. Elle a développé un large éventail d’intérêts au-delà de sa profession de paysagiste, comme une grande passion pour la décoration intérieure, les roses anciennes et le design Web. Parlant six langues, elle ne pouvait pas résister à l’appel de voyager à l’étranger. A 22 ans, elle crée une Roseraie en Catalogne, (Espagne). Puis ouvre un restaurant avec B & B pour compléter l’activité. Grâce à sa passion pour la sculpture et surtout un étrange amour pour le fer, elle décore les jardins. Interior Design lui propose un emploi combinant sculpture et Webdesign à l’âge de 41 ans. « Sous quelque forme que ce soit, danse orientale, tango argentin, salsa, chanteur à deux groupes, chorale gospel, acteur, radio. Depuis que je suis petite fille, j’ai commencé à dessiner … des chevaux, ma grande passion. Bien que je n’aie pas pu étudier les beaux-arts, je me suis entraîné avec de nombreux professionnels au cours de ma vie. En tant que matériau, le métal est toujours ma passion, aussi bien en sculpture qu’en bijouterie. Le crayon, le pinceau et la céramique me réclament de temps en temps. »

Note d’intention artistique :
Aritjol Géant Bleu Cloissoné
Ce petit cheval bleu est né de la symbiose entre les émaux, le cuivre et le feu … aux températures comprises entre 780 et 815 degrés.
Origine du nom :
• Géant Bleu*, pour le fond qui ressemble à un ciel étoilé …
resultat obtenu après de nombreuses expériences avec des émaux.
• Cloissoné par la technique; Le fil de cuivre à l’intérieur de l’émail lui renforce son expression.
Pourquoi un bijou ? Toujours à la recherche de nouvelles
techniques et de nouveaux défis, j’ai étudié pendant une année “spécialisation en émaux» à l’Atelier de Bijouterie à Foixà par
l’artiste Susana Alonso. Complètement enchantée par les
innombrables possibilités offertes par le monde des bijoux, j’ai décidé de mettre ma passion des chevaux au service de cette
nouvelle technique.

Bijou, du collier à la serrure. De même qu’un tableau est influencé par le cadre et le bronze par le pied sur lequel il repose,
de même le bijou ne se complète que par le collier et serrure ajustés, qui appartiennent bien entendu également au concept. Un clin d’oeil à une queue de cheval rend ce bijou particulièrement original. Ici, le bijou est conçu de manière à ce que le collier de lanières de cuir maintienne la tête du cheval tout en ajoutant une valeur dimensionnelle comme queue de cheval. Le collier de lanières de cuir est également présent dans le bracelet pour créer une unité, mais présente chacune des 3 petites oeuvres d’art comme une pièce unique.

Un bijou comme une oeuvre d’art. Ces œuvres d’art sont petites, mais non moins originales dans leur conception. En outre, vous devez maîtriser non seulement la technique de l’émaux, mais également la conception de bijoux et sa mise en oeuvre en général. Un bijou présente un défi particulier : son
design et son exécution doivent non seulement être originaux, tout comme la technique doit être maîtrisée, mais aussi pouvoir être portés comme un bijou. Le concept peut donc rivaliser avec l’originalité du design et devra donc être adapté à la fonctionnalité du design au cours du processus, sans jamais perdre son âme.

Dominique Dève est un peintre français spécialisé dans les portraits. Une partie de son travail concerne les animaux et plus particulièrement les chevaux. Son style expressionniste figuratif lui a permis d’exposer à Paris, Los Angeles, New Delhi, Richmond, Sheffield… et de figurer dans des magazines d’Art comme Average Arts Magazine, Art Reveal (UK), The Rush (USA). Il a réalisé la couverture du dernier livre de Dominique Delahaye « No Limit » (ed. Petit à Petit). En 2018, il obtient un Golden Award Art Majeur. On retrouve ses œuvres dans des collections privées à l’international, Australie, Royaume-Uni, Pays-Bas, USA, Italie, France…

Note d’intention artistique :
Une partie de mon travail concerne les portraits des animaux et plus particulièrement les chevaux. Leur plastique particulière et leur rapport fusionnel à l’humain m’ont immédiatement séduit. J’aime peindre l’âme humaine, les chevaux la comprennent si bien !

Venu à la peinture par le dessin et au travers les oeuvres de Nicolas de Staël, Van Gogh, Modigliani et Soutine qui ont guidés mes premiers pas. La peinture n’a pas toujours été ma copine, ce fut laborieux, difficile, parfois douloureux, et me sert de thérapie. Je sors, de je ne sais où ? De dessous l’armoire ? d’un tiroir ? Les couleurs se sont jouées de moi, je me suis pris les pinceaux dans le plat, impossible de les tenir, les retenir, alors, j’ai quitté le radeau, les laissant barbouiller avec moi. En quête du Graal comme Perceval, d’utopie, d’eldorado, ou de la pierre philosophale, alchimiste au fourneau, remplit de bobos, barbouilleur solitaire, de couleurs et de mots.
Cette peinture singulière comme Don Quichotte sur les chemins de pierres, ou comme une bouteille à la mer.Peindre ou dessiner en toute humilité, les fragilités de l’humanité, les travers de l’espèce humaine, les errements, les doutes, les combats obscures qui nous étreignent, entre le bien et mal, l’amour ou la haine, tout s’emmêle, le noir, le blanc, la couleur, le néant, quand nos âmes en peine traversent tempêtes et ouragans. Peindre l’espoir qui brille dans la matière, pour sortir du chaos, du noir de la nuit. Avec une âme d’enfant, sur le rectangle blanc, papier ou toile cloutées, vide toujours difficile à combler, endroit silencieux où je vais me réfugier, pour me protéger et flâner, en cherchant le trait universel, l’équilibre, l’alliance, l’harmonie des couleurs, des formes, humaines ou animales, pour partager, une émotion, une joie, un mouvement, un sentiment, des regards, des larmes, un sourire, une opinion…!

Note d’intention artistique :
Présentation d’un triptyque apostolique pour une cavalcade angélique, accrochée aux étoiles. Astrologiques constellations peintes au firmament d’un monde chaotique, hystérique, schizophrénique…!!!

Née à Angers, j’ai grandi entre Saumur, Paris, Bordeaux et Deauville. Mère de trois garçons, éleveuse de chevaux de courses et de sports, le cheval a toujours fait parti de ma vie de
famille et de ma vie professionnelle. Photographe depuis ma plus tendre enfance et directrice de l’Ecole Blondeau, j’ai la chance d’exercer deux métiers « passion » dont les démarches se rejoignent et font échos. Mes premières photos publiées illustrent les textes des livres coécrits avec Marion Scali et Nicolas Blondeau aux Éditions Belin, 1995 et 2004. Mes images sont aussi utilisées par la presse spécialisée, pour le site internet de l’école Blondeau : www.ecoleblondeau.com et les réseaux sociaux. Mais c’est après une deuxième formation sur le thème du portrait en Arles sous la direction artistique de Stéphane Lavoué en 2016 que j’ai commencé un travail artistique plus personnel. Entre ce que je ressentais et voulais exprimer il fallait que ma technique photographique devienne plus méthodique. J’exerce la discipline photographique exigeante du portrait avec un objectif 50 mm,la lumière naturelle, un(e) modèle connu(e) ou inconnu(e) et souvent en présence d’un cheval. Je suis seule, en face à face, dans un espace choisi ou improvisé. Beaucoup de mes photos sont réalisées à Saumur mais je peux aussi suivre la carrière des chevaux qui nous ont été confiés dans leurs différents lieux d’entraînements ainsi que toutes les personnes qui œuvrent pour la filière équine.

Note d’intention artistique :
La 1ère rencontre de travail entre le cheval et l’humain
Mes photos sont prises lors de la 1ère rencontre de travail entre le cheval et les humains. Je choisi souvent le hors champ pour ainsi laisser le spectateur deviner l’importance de la création de ce nouveau lien. J’ai devant moi un dessin clair, mêlé de respect et de distance juste. Complice de leur souffle, je me pose toujours la question :
Comment les inviter à habiter subtilement mon cadre ?
C’est comme une évidence, mon oeil saisit leurs corps : connaître la méfiance, quelque fois la défaillance mais aussi le bonheur de travailler ensemble. Ce qu’ils partagent est unique, vrai et semble indélébile comme un sentiment si fort puisqu’invisible. Je capte ce contact sans être en contact.
Ma compréhension doit rester sans parole alors que mes gestes commencent à cadrer. Photographier c’est dessiner avec la lumière le son du souffle.
C’est pousser à l’extrême véracité l’écho d’un amour, d’un lien fort qu’ils ont commencé à partager. Alors à chaque image j’essaie d’être au plus près de ces humains qui soufflent leur amour à cet animal d’exception qu’est le cheval.
Exposer à Saumur a vraiment du sens pour moi, pour une première fois. Je me suis intéressée chaque année aux artistes sélectionnés, dans le cadre d’ Artcheval, certaines oeuvres m’ont profondément touchées et je me sens proche de cette direction artistique pour vouloir exposer mon travail dans cette dynamique.

A force de baigner dans l’univers du cheval et d’être envahi de photos et visuels en tous genres, notre oeil parfois s’habitue, se lasse jusqu’à nous faire presque oublier la beauté de l’animal, de ses mouvements et des créations. Il était urgent qu’un artiste vienne nous bousculer ! Antoine, auteur-photographe, est armé pour tout sublimer. Grâce à une belle sensibilité, un sens artistique déroutant, une admiration pour les chevaux et leurs cavaliers, une honnêteté, voici un photographe qui met dans son travail le sentiment nécessaire pour capter, de la plus subtile émotion à la prouesse technique la plus intense.

Parce qu’il vise l’instant de grâce, quand le sabot du cheval frappe la lumière à l’endroit inattendu, quand son doigt presse la détente de l’appareil et met à mort le cours du temps, transformant l’instantanéité en éternité. Antoine est un photographe-alchimiste. De sa science, il tire des portraits léchés aux allures de tableaux, effaçant sur les images, derrière son ordinateur, les traces parasites qui dénoncent le quotidien en empêchant l’ordinaire de toucher au sublime. Ses clichés sont d’une rare finesse et vous vont droit au coeur : noir et blanc, plans serrés, capture du mouvement ou de l’instant volé, sourires rayonnants, émotion équestre sans artifices.Il se dit artiste et pas photographe pour souligner son statut d’autodidacte, et pourtant promène son
objectif de photographe officiel dans les allées d’Equestria. Le déni fait office de filtre, prolonge et préserve cette acuité qui vient du coeur et non des yeux, cette sensibilité de contemplatif mâtinée de simplicité.

Note d’intention artistique :
Entremêlés
Entre reflets et réalité, entre ombre et lumière, j’ai voulu montrer l’agilité du cheval dans l’enchevêtrement de ses membres mis en mouvement par le cavalier.

Je suis née le 22 février 1966 à Paris. Je vis aujourd’hui à Versailles. Je suis mariée et j’ai 3 enfants. Issue d’une famille d’artistes, la photo et la peinture sont mes moyens d’expression. Avec le temps et les évolutions technologiques, j’ai associé les deux pour devenir « photographiste ». Je suis une parfaite autodidacte dans tout ce que je fais. Styliste modéliste, commerciale dans l’informatique, photographe. J’ai toujours tout entrepris par moi-même. C’est mon père qui le premier a mis un appareil entre les mains. Je devais avoir 8 ou 9 ans.

C’était un petit instamatic Kodak qui ne quittait pas ma poche. Puis j’ai hérité d’un Minolta argentique. Très vite, je me suis intéressée au gens qui se trouvaient autour de moi. Je suis une portraitiste. J’aime instaurer un dialogue bienveillant entre mon « sujet » et moi.

Aujourd’hui, je photographie les chevaux de la même façon. Ce qui m’intéresse c’est la personnalité de celui ou celle qui se trouve en face de moi et l’émotion qui se dégage du moment que nous vivons. Les Chevaux, vaste histoire de ma vie. Des chevaux de bois de mon enfance aux “Gladiateurs de Vincennes”, l’un de mes plus grands reportages, près de 40 ans de passion et de fascination pour cet invraisemblable animal qu’est le cheval. Il représente à mes yeux l’être parfait. Il a tout, tout ce que nous souhaiterions avoir. La beauté, la grâce, l’élégance, la force, la puissance, la fragilité, l’érotisme. Personne ne lui est totalement indifférent.

Le centaure trahi, nos fantasmes et nos désirs, la photographe vole des miettes de perfection pour les coller dans son travail. Ne suis-je pas prise en flagrant délit de jalousie ? Probablement, mais aussi beaucoup d’amour. Pour faire de belles images il faut désirer son modèle. L’aimer et vouloir partager avec lui un instant de bonheur ou de détresse. Avoir de l’empathie.

Mes photos sont les témoins de ces moments-là. Tous me procurent de l’émotion et la cavalière que je suis culpabilise souvent de ne pas toujours trouver les mots justes. J’essaie de me faire pardonner par mes images. Au-delà du modèle, il y a le désir de partager avec ceux qui, comme moi, aiment les chevaux, ou qui souhaiteraient découvrir un peu de cette émotion et de ce plaisir que je ressens lorsque je les regarde vivre.

Note d’intention artistique :
Un rêve
Un rêve, celui de la petite fille que j’étais, et qui se voyait la meilleure amie d’une licorne blanche. Il m’aura fallu bien des années pour rencontrer la licorne incarnée par ce cheval. Tout se met en place et me voilà plongée avec elle dans cette forêt mystique.
Tout est là, je n’ai plus qu’à figer ces instants qui étaient dans mon imaginaire.